Animación frame a frame con Photoshop

Animación con Photoshop y AnimDessin2

Esta animación está diseñada en Fotoshop y un complemento que os recomiendo llamado AnimmDessin2 

El primer paso ha sido dibujar la rana en una capa con diferentes poses, después, en otra capa se colorea y por último se crea una escena animada usando diferentes pinceles y texturas.

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Para completar la presentación, se ha incluido efectos de sonido y música.

Para la animación, utilice algunos de los 12 principios de animación:

Puesta en escena:

Ponemos en escena las posiciones básicas de la rana y creamos el ambiente y el entorno con un escenario para contar una historia visual.

Estirar y encoger:

Estiramos y encogemos el cuerpo de la rana para darle un efecto flexible ya la vez más realista a su movimiento.

Acción secundaria:

De una forma muy muy sutil, existe una acción secundaria cuando la rana salta y los siguientes son unas gotitas de agua.

Anticipación:

En este caso no hay un efecto muy logrado de la anticipación, porqué la rana podría codificar un poquito antes de saltar, y yo he dado cuenta después de ver algunas veces la animación.

Los 12 principios de Animación

A pesar de los muchos esfuerzos realizados para facilitar la animación con tecnología informática, muchos artistas luchan por producir obras convincentes en el campo. Adherirse a las leyes de la física es cómo se empieza, pero ¿qué pasa con cuestiones más abstractas, como la sincronización emocional y el atractivo del carácter?

En 1981, dos brillantes animadores de Disney, Ollie Johnston y Frank Thomas, introdujeron doce principios básicos de animación para producir obras más realistas. Desde entonces, los principios han sido adoptados por casi todos los animadores profesionales y algunos se han referido a ellos como la «Biblia de la animación».

Originalmente pensados ​​para aplicarse a la animación tradicional dibujada a mano, los principios aún tienen una gran relevancia para la animación por ordenadorl y se pueden encontrar no solo en la animación de personajes sino también en el diseño de la experiencia del usuario .

Los doce principios básicos de la animación a continuación están parafraseados de The Illusion of Life: Disney Animation , uno de los «mejores libros de animación de todos los tiempos», e ilustrados con ejemplos hechos con Animatron. Y también en en la otra biblia de la animación: The Illusion of Life

Aplastar y estirar

Considerado el principio más importante, «aplastar y estirar» da una sensación de peso y volumen a los objetos dibujados. Se describe mejor con una pelota que rebota, que parece estirada al caer y aplastada cuando golpea el suelo. Incluso exagerar un poco al acortar y ampliar los objetos animados les dará esa sensación realista.

Anticipación

Casi nada sucede de repente. Como la acción parece más realista si se le da a la audiencia una pista de lo que sucede a continuación, la anticipación se usa para prepararse para la acción principal de una escena animada.

Puesta en escena

Johnston y Thomas definieron la puesta en escena como “la presentación de cualquier idea de modo que sea completa e inconfundiblemente clara”, de modo que la atención del público se dirija a lo que es de mayor importancia en una escena. La esencia de la puesta en escena es mantener el enfoque en lo relevante, eliminar detalles innecesarios y evitar confusiones.

Pose a pose

Acción y pose a pose Este principio coincide con dos enfoques diferentes del proceso de dibujo real. Uno dibuja una escena fotograma a fotograma de principio a fin ( «acción directa «) o comienza con algunos fotogramas clave, y luego completa los intervalos (de » pose a pose «). A menudo se utiliza una combinación de las dos técnicas para crear una ilusión de movimiento dinámica y dramática. La mayoría de las herramientas de animación por ordenador ayudan con el principio al completar automáticamente las secuencias faltantes en las transiciones entre fotogramas clave.

Seguimiento y superposición

«Seguir adelante» se refiere a partes del sujeto que continúan moviéndose con inercia después de una acción completa. Para lograr más realismo, haga que las mismas partes se muevan a diferente velocidad con «acción superpuesta». Con el ejemplo lo verás muy claro.

Aceleración y desaceleración

El principio sugiere que casi todos los movimientos necesitan tiempo para acelerar y desacelerar. Su animación se verá realista si se agregan más dibujos al principio y al final de una acción, enfatizando la aceleración y desaceleración gradual, y menos en el medio.

Arco

Los arcos aumentan el realismo de la acción del sujeto, ya que casi todos los objetos reales tienden a seguir trayectorias curvas en lugar de líneas rectas.

Acción secundaria

Apoyar la acción principal con una secundaria agrega más dimensión a la animación del personaje y le da más vida a la escena. El principio de puesta en escena es muy importante para aplicar correctamente las acciones. Asegurate de que la acción secundaria enfatice la acción principal, en lugar de desviar la atención de ella.

Sincronización

En referencia a la cantidad de dibujos o marcos para una acción determinada, el tiempo correcto es fundamental para establecer el estado de ánimo, la emoción y la reacción de un personaje. En pocas palabras, usa más fotogramas para crear una acción más lenta y menos fotogramas para una más rápida.

Exageración

La definición clásica de exageración, empleada por Disney, era permanecer fiel a la realidad, simplemente presentándola de una forma más salvaje y extrema. Como una imitación perfecta de la realidad puede parecer estática y aburrida en los dibujos animados, la exageración es especialmente útil para la animación.

Dibujo sólido

El dibujo sólido considera un objeto que sigue las reglas de la perspectiva en un espacio tridimensional. Para un animador, esto significa comprender los conceptos básicos del dibujo académico, la anatomía, el peso, el equilibrio, la luz y la sombra, etc. 

Apelación

Por último, pero no menos importante, el atractivo refleja un atractivo o encanto convincente que puede inspirar devoción en los demás. Lo importante es que el espectador sienta que tu personaje no necesariamente simpatiza, sino que siempre es real e interesante.